WELL ART – Jessica Ostrowicz über Kunst, die Schutz bietet. „Ich habe angefangen, mir symbolisch ein Dach über dem Kopf zu bauen.“

Die Ausstellung „Persisting Without Return“ in Breslau ist Jessica Ostrowiczs erste Einzelpräsentation in Polen – und eine unglaublich persönliche Geschichte über Erinnerung, Identität und die Suche nach Zuflucht. Im Gespräch mit der Künstlerin tauchen wir in die Tiefen ihres kreativen Prozesses ein, in dem Materie zum Vehikel für Emotionen und zum Werkzeug für die Heilung generationsübergreifender Traumata wird. Wir erfahren, was Heimat bedeutet und warum Kunst für alle zugänglich sein sollte.

Am 16. Juli feierte die Ausstellung „ Persisting Without Return “ Premiere – die erste Einzelpräsentation von Jessica Ostrowicz‘ Werk in Polen. Eine Stunde vor der offiziellen Eröffnung, noch bevor die ersten Besucher OP ENHEIM betraten, hatte ich die Gelegenheit – und das Glück – mit der Künstlerin Jessica und der Kuratorin der Ausstellung, Philine Pahnke , zu sprechen.

Wir trafen uns im Herzen der Ausstellung , die auf den ersten Blick so wirkte, als hätte sie schon immer dort existiert. Es war, als ob das historische Interieur des Gebäudes und die persönlichen Erfahrungen des Künstlers eine subtile Symbiose eingingen. Philine zeigte uns den Weg und enthüllte die verschiedenen Ebenen der Ausstellung , und Jessica sprach ruhig, mit der Zärtlichkeit und Aufrichtigkeit, die entsteht, wenn das Gespräch etwas wirklich Wichtiges berührt.

Wir blieben bei Eierschalen, aus Haaren geflochtenen Nestern und Pfeifenfragmenten stehen – kleinen Objekten, die in diesem Raum das Gewicht von Denkmälern annahmen. Jedes dieser Objekte erzählte – als würde es flüstern – von einem Zuhause, das es nicht mehr gibt, von einer schwierigen Familiengeschichte und dem Kampf, das Trauma der Vergangenheit zu überwinden.

Führung während der Eröffnung der Ausstellung „Persisting Without Return“ von Jessica Ostrowicz / Foto: Wojciech Chrubasik

Jessika Ostrowicz über Kunst, die heilt

Angelika Lachawiec Well.pl : Wie begann Ihr Abenteuer mit der Kunst? Hatten Sie schon immer das Gefühl, dass dies Ihre Form des Selbstausdrucks sein würde?

Jessica Ostrowicz: Ich war schon immer eine kreative Künstlerin. Ich habe schon mit zwei oder drei Jahren gerne gezeichnet. Irgendwann habe ich meiner Familie einfach gesagt, dass ich Künstlerin werden möchte – und diesen Weg habe ich seitdem verfolgt. Ich habe acht Jahre lang Kunst studiert und nach meinem Abschluss habe ich ständig danach gestrebt, Vollzeitkünstlerin zu werden.

Ihre Kunst ist sehr persönlich – Sie wuchsen mit nur einem Bruchteil Ihrer Familiengeschichte im Zusammenhang mit dem Holocaust auf. Die Wahrheit über die jüdischen Wurzeln Ihres Großvaters kam erst nach seinem Tod ans Licht. Wie war es für Sie, einen so wichtigen Teil Ihrer Identität zu entdecken? Hat es Ihre Arbeit beeinflusst?

Ich wusste, dass ein Teil meiner Familie jüdischer Abstammung war, und ich besuchte sogar eine jüdische Grundschule, aber ich dachte, es betreffe nur einen Zweig meiner Familie. Erst später erfuhr ich die ganze Wahrheit. Ich glaube, dieses Mysterium hat meine Arbeit inspiriert. Es sind familiäre und kulturelle Narrative – wie wir erzählen, wer wir sind –, die unsere Wahrnehmung der Realität beeinflussen.

Was genau hat sich geändert?

Wir verarbeiten Erlebnisse oft, indem wir sie verdrängen. Wir wollen vorankommen, indem wir die Vergangenheit vergessen, aber das ist unmöglich. Wenn wir ein Trauma verarbeiten wollen, müssen wir zunächst untersuchen, was verborgen war. Wir müssen in diesen schmerzhaften Prozess eintreten und alles abbauen. Erst dann können wir beginnen, alles wieder zusammenzusetzen und die Wunden auf unsere eigene Weise zu heilen.

War Kunst Ihr Weg?

Ja. Meine Situation ist ziemlich einzigartig. Oft ist es die zweite oder dritte Generation, die das Trauma, das sie erbt, wirklich spürt. Die erste Generation erlebt das Trauma, ihre Kinder fühlen mit, und die nächste Generation – wie ich – kann sich genug davon distanzieren, um es wirklich zu sehen. Ich spüre diese Geschichte in mir, aber ich kann mich ihr stellen und anfangen, Dinge zu verändern. Oft denken die Leute, Traumata seien etwas, das wir einfach erben, und das war’s. Aber wenn wir Schmerz und Leid weitergeben können, können wir auch etwas Gutes weitergeben. Transformation ist möglich.

Es stimmt, dass man aus der Distanz die Spuren eines Traumas besser erkennen kann. Auch das Thema „Heimat“ taucht in Ihren Entwürfen häufig auf. Was bedeutet „Heimat“ heute für Sie?

Als Kinder haben wir oft eine idealistische Vorstellung von Zuhause – ein Ort der Wärme, Geborgenheit und Stabilität. Doch mit zunehmendem Alter wird alles komplizierter, denn Zuhause ist nicht nur ein Gebäude, sondern vor allem Beziehungen – und diese werden mit der Zeit immer komplexer. Irgendwann müssen wir unsere Gedanken und Gefühle zu Kindheit und Familie neu ordnen. Dann beginnen wir wirklich zu verstehen, was Zuhause für uns bedeutet. Für mich bekommt das eine zusätzliche Dimension, da ich aus einer Familie stamme, die über Generationen hinweg gezwungen war, umzuziehen und manchmal zu fliehen. Für mich ist Zuhause eine Ansammlung von Erinnerungen, Beziehungen und Emotionen. Es ist auch ein Gefühl von Geborgenheit. Die Bedeutung von Zuhause bekam für mich eine neue Dimension, als ich anfing, in Gefängnissen zu arbeiten. Es ist ein Ort, den man kaum als Zuhause bezeichnen kann, und doch lebt dort eine große Gruppe von Menschen. Trotzdem versuchen die Insassen, dort zumindest den Anschein von Zuhause zu schaffen.

Ihre Ausstellung bei OP ENHEIM ist Ihre erste Einzelpräsentation in Polen – und das an einem so einzigartigen Ort, der jahrelang ein wichtiges Zentrum des jüdischen Gemeindelebens in Breslau war. War Ihnen diese Geschichte bei der Wahl des Ortes bewusst?

Absolut nicht! Es war ein perfekter, fast magischer Zufall! Erst später begann ich, mich mit der Geschichte des Gebäudes zu beschäftigen. Heute kann ich sagen, dass sich zwischen meiner Arbeit und der Geschichte und dem „Leben“ des Gebäudes selbst eine fast symbiotische Beziehung entwickelt hat. Dieser Raum zelebriert gewissermaßen seine Geschichte – durch winzige Risse, durch knarrende Böden. Als Philine und ich an der endgültigen Form der Ausstellung arbeiteten, achteten wir darauf, dass auch die kleinsten Elemente auf den Raum zugeschnitten waren. Ich empfinde diesen Raum als Teilnehmer der Ausstellung.

Das neue Gesicht der Kunst laut Jessica Ostrowicz: Keramik, Haare und Eierschalen statt Pinsel und Wasserfarben

Anstelle von traditioneller Leinwand, Pinseln und Farben verwenden Sie eher ungewöhnliche und zerbrechliche Materialien wie Keramik, Haare und Eierschalen. Wie kam es zu dieser Idee?

Heutzutage werden viele Kunstwerke aus teuren Materialien hergestellt. Kunst sollte jedoch allgemein zugänglich sein, damit jeder, unabhängig vom Budget, kreativ sein kann. Außerdem mag ich es, wenn mindestens ein Element meiner Arbeit von zu Hause kommt und mir am Herzen liegt. Meine Arbeiten enthalten oft einfache, aber emotional bedeutsame Elemente. Das Material, mit dem ich arbeite, ist mir sehr wichtig, und wenn ich keine emotionale Verbindung dazu habe, sehe ich keinen Sinn darin, es zu verwenden.

Irgendein konkretes Beispiel?

Wenn ich spazieren gehe, sammle ich Eierschalen und mache daraus ein Kunstwerk – ich erschaffe eine Interpretation des Eis auf Papier. Es ist faszinierend, dass das Leben eines Vogels in einem Ei beginnt. Um geboren zu werden, muss er sein erstes Zuhause zerstören. Das ist wunderschön und symbolisch. Jede Eierschale, die ich finde, erzählt eine Geschichte über einen bestimmten Ort und Moment. Diese Eierschale stammt zum Beispiel vom Tag vor meiner Hochzeit, die andere habe ich am Tag danach gefunden.

Jessika Ostrowicz über Emotionen in der Kunst

Apropos Emotionen: Gibt es in der Ausstellung ein Kunstwerk, das Sie besonders berührt oder mit dem Sie Schwierigkeiten hatten zu arbeiten?

Viele Objekte in der Ausstellung sind für mich emotional schwierig. Ich finde es wichtig, alle Werke ganzheitlich zu betrachten. Sie sind wie Kapitel einer Geschichte. In diesem Raum zu sein, fühlt sich an, als stünde ich in einem Raum voller Spiegel, die verschiedene Aspekte meiner selbst reflektieren. Manche Werke berühren mich aufgrund ihrer Darstellung. Andere, weil ich Jahre daran gearbeitet habe. Wieder andere sind in Zusammenarbeit mit anderen entstanden.

Also, welches berührt Sie am meisten?

Nach dem Tod meines Großvaters begann ich, Nester zu sammeln. Beim Aufräumen seines Hauses fand ich im Schuppen ein Vogelnest. Es war aus Haaren – ich dachte, es könnte meiner Großmutter gehört haben – und kleinen Gegenständen aus dem Garten geflochten. Im Nest befand sich ein winziges Ei. Ich dachte, es sei eine Metapher für das Haus, das buchstäblich aus Fragmenten des Lebens meiner Großeltern geschaffen war. Also beschloss ich, etwas Eigenes hinzuzufügen. Ich legte kleine Steine hinein – solche, die in der jüdischen Tradition als Zeichen der Erinnerung auf Gräber gelegt werden. Es war meine Geste der Heilung. Im selben Schuppen fand ich eine Papiertüte mit den Haaren meiner Urgroßmutter. Daraus baute ich ein weiteres Nest, das wir in der Ausstellung sehen. Diese Arbeit ist mir sehr wichtig.

Beim Betrachten der Ausstellung habe ich den Eindruck, dass Ihnen auch das Motiv der Vögel selbst bekannt vorkommt?

Das stimmt! Erst als ich meine eigenen Arbeiten genauer betrachtete, wurde mir bewusst, wie häufig das Vogelmotiv auftaucht. Sie sind zarte Geschöpfe, die ich gerne beobachte – besonders beim Nestbau. Wenn ich einen Vogelschwarm beobachte, haben ihre Bewegungen etwas Hypnotisches, ja Bezauberndes. Gleichzeitig haben sie etwas Beunruhigendes. Diese Dualität – die Kombination aus Zerbrechlichkeit, Wildheit und Rastlosigkeit – macht Vögel für mich unglaublich faszinierend.

Und an welcher Arbeit haben Sie am längsten gearbeitet?

Es ist definitiv „Exhaust Archive“, an dem ich seit sieben oder acht Jahren arbeite. Ich glaube, ich habe etwa 2.000 Stunden dafür gebraucht. Alles begann in London, als ich versuchte, Frieden zu finden. Damals spazierte ich oft an der Themse entlang und meine Aufmerksamkeit wurde auf angeschwemmte Gegenstände gelenkt. Darunter fand ich Tausende von Pfeifenfragmenten. Sie erschienen mir unglaublich schön – sie erzählten die Geschichten von Menschen. Manche trugen Fingerabdrücke, eingravierte Namen oder Blumen. Was mich faszinierte, war die Möglichkeit, ihr Alter zu bestimmen!

Wie genau?

Ich untersuchte den Bohrungsdurchmesser, die Länge der Pfeife oder die Verzierungen. Jedes dieser Elemente erzählt etwas über Menschen, über die wir wahrscheinlich nie mehr erfahren werden. Ich wollte eine Verbindung zu ihnen aufbauen und begann, sie zu sammeln und zu archivieren. Insgesamt kamen tausend Pfeifen zusammen – jede einzelne fotografiert und sorgfältig vermessen. Außerdem begann ich, den Klang jeder Pfeife aufzunehmen. Die letzte Handlung, die jemand vor vielen, vielen Jahren – manchmal vor bis zu 600 Jahren – vollführte, war das Ein- und Ausatmen von Rauch durch eine dieser Pfeifen.

Jessika Ostrowicz über die Rolle des Künstlers in der heutigen Welt

Sie haben erwähnt, dass Kunst unabhängig vom Budget zugänglich sein sollte. Sie arbeiten mit Gefangenen zusammen, studieren Alltagsgegenstände und suchen in ihnen nach Geschichten und Emotionen. Was sollte Ihrer Meinung nach die Rolle eines Künstlers sein?

Ich glaube nicht, dass es eine bewusste Entscheidung war, Künstlerin zu werden. Es war nicht so, dass ich an die Universität ging, Kunst studierte und beschloss: „Jetzt werde ich Künstlerin.“ Es ist etwas, das aus mir herausfließt. Ich halte Kunst für wichtig – besonders im Kontext von Orten wie Gefängnissen. Ich sehe, wie leicht Gesellschaften – insbesondere diejenigen, die das Privileg haben, in Frieden zu leben – die Welt in Gut und Böse, uns und sie einteilen. In diesem Rahmen „stellen“ wir Gefangene aus der Gesellschaft heraus. Doch sie schaffen ihre eigene Gemeinschaft, haben ihre eigenen Beziehungen, ihre eigene Art zu kommunizieren und zu existieren. In meiner Arbeit möchte ich diese andere Perspektive zeigen. Gleichzeitig ist es sehr einfach, ein Werk aus dem Gefängnis zu holen, auszustellen und zu sagen: „Das ist Kunst, die hinter Gittern entstanden ist.“ Aber es ist auch wichtig, dass Kultur ihren Weg in die Gefängnisse findet. Dass eine durchlässigere Membran zwischen der „Gesellschaft“ und dem, was wir als Randgruppen betrachten, entsteht. Es sollte ein Dialog sein, kein einseitiger Austausch.

Wenn Sie Ihre Ausstellung mit nur einem Wort beschreiben müssten, welches wäre das?

Unterschlupf.

Damit habe ich nicht gerechnet. Können Sie das erklären?

Klar! Es ist nicht unbedingt ein Zuhause im herkömmlichen Sinn, sondern eher ein Raum, den ich mir geschaffen habe, um mich sicher zu fühlen. Die Trauma-Aufarbeitung läuft noch, aber parallel dazu habe ich begonnen, mir ein symbolisches Dach über dem Kopf zu bauen. Etwas, das mir ein Gefühl von Geborgenheit gibt.

Was sollen die Betrachter beim Erleben Ihrer Kunst fühlen oder verstehen?

Ich denke, meine Ausgangsthemen waren sehr persönlich und stark mit meinen eigenen Erfahrungen verbunden. Mit der Zeit entwickelten sie sich jedoch zu einer umfassenderen Reflexion über das menschliche Bedürfnis nach einem Zuhause. Es ist ein universelles Bedürfnis, wenn auch nicht immer bewusst. Wenn sich andere mit meinen Werken identifizieren können – wenn jemand einen Teil von sich selbst darin wiederfindet –, dann bin ich wirklich glücklich.